日本在历史上一直具有很强的设计意识，从浮世绘、传统包装到折扇、刀剑工艺，都具有世界性的影响力。特别是在19世纪末到20世纪初，日本的浮世绘和建筑在西方影响日增，成为刺激欧洲“新艺术”运动的重要因素。

20世纪80年代，日本遭遇泡沫经济，但就在这个时候，日本涌现了一批知名的服装设计师。他们的服装设计强调展示人体自身线条，运用单色及不对称剪裁，他们设计出许多与传统日式服装不同的、极富颠覆性的现代服装。同时，这些设计又不失日本文化的精髓，打破了西方对于日本服饰的传统看法。

以日本知名设计师高田贤三为例，他以东方人的视角审视高级时装，东方的结构、西方的精神以及拉美的热情和奔放，在他的服装设计中交汇。他把日本精致、简单的和服作为设计灵感的源泉，融汇嬉皮士风格、斯堪的纳维亚文化、拉美风格的浓郁色彩和具有鲜明地方气息的民间工艺。这种将五洲精华自然和谐地组合在一起的设计，仿佛是东西方的不经意相遇，深受当时年轻人的追捧。

随后，日本设计师川久保玲、山本耀司又向巴黎时装界投下一枚“重磅炸弹”。他们以黑色为基调，推出了令人瞠目结舌的“破烂式”和“乞丐装”，对所有既成样式进行了一次毁灭和破坏。川久保玲的设计不追求对称，不追求性感表现，服装松垮，袍子棱角分明，色彩阴暗，设计体现了日本的残缺之美。

纵观日本现代服饰的特点，不难看出丰富的日本文化。首先是瑕疵之美。日本作为岛国，地形相对散碎，又经常面对恶劣的气候，地狭人稠的客观条件，使得日本人形成了“轻圆融，喜残缺”的“忧患意识”。日本设计师利用这种瑕疵之美，故意将布料撕开，褴褛的衣服充满无拘无束的优雅灵气，更是日本所谓“万物有灵论”的体现。

其次是间隔之美。“间”是日本独特的美学观，是将时间、空间加以巧妙运用构成的，因而产生间隔美感的形式，其表现形式多为留白、不对称与均衡。留白给人以充分自我想象的空间，无山、无水、无树、无草，有的人看到的留白就是空白，但对日本人而言却是满溢的。

再次是阴阳之美。日本的美学中，最理想的状态是在一个事物中呈现“阴阳”的概念，以产生和谐的意象。材质的光滑与粗糙、色彩的明暗对比、造型的曲直变化、整体与局部的形态呼应，均是利用阴阳元素的调和传达出的感官之美。这也就不难理解，日本街头为何会有那么多所谓的“奇装异服”。

最后是包容之美。异于西方对美的定义，日本对美的诠释不仅重视对象形态的美妙，还延伸到整齐、干净、清洁、灵巧，延伸到细节等方面，“简单”也是日本的审美原则。因此，“一块布”被设计成一件具有日本特色的衣服，也就不足为奇。

日本的现代服饰设计立足于民族传统，鲜明而独特，征服了世界，形成足以与西方相抗衡的东方时尚力量。民族精神融于世界精神，传统精神融于未来精神，强化和表现东西方不同哲学和美学孕育的不同神气与韵味的互补，正是今天日本服装文化要表现的时代气韵。日本服装设计师善于从传统文化中不断吸收养分，化为生活艺术的品质，无形中把追求完美化为经济发展和文化强盛的能量。对时代的不同凡响的理解，对精神层面和心灵况味的深度挖掘和提炼，使他们找到了在时尚世界的历史方位。

在国外服装行业强大的竞争力面前，我国如何将自己鲜明的文化特色寓于服装设计之中，十分值得思考。面对历史的机遇与挑战，我们应该具备对自己文化的深刻理解，对时代精神的准确把握，在张扬个性的同时，又固守民族文化的魂魄与血脉。在这方面，日本服饰设计给了我们很好的启示，它是一种全新生活方式的演绎。对于我们而言，独特个性和卓越品质的形成，是对中国传统文化精神不断汲取、吸纳与凝练、升华的过程，也是一个创造性的继承过程。光明日报驻东京记者 张冠楠

《光明日报》（ 2017年04月25日 05版）